Olivier Jonvaux

Quel point commun entre Lewis Carroll, le pavillon allemand de Barcelone construit par Mies van der Rohe en 1929, et la physique quantique ? Rien, et c’est justement cet assemblage absurde qui forme le court métrage Be Maybe May d’Olivier Jonvaux, artiste diplômé du Fresnoy en 2021 et dont le travail explorant des champs variés, de la philosophie à la bande-dessinée, a déjà été exposé en France et à l’étranger.

Entre cinéma expérimental et film d’animation, son œuvre aborde ici avec humour l’expérience scientifique du chat de Schrödinger qui défie les lois de la physique : un chat enfermé dans une boîte avec une fiole de gaz mortel et une source radioactive serait, jusqu’à l’ouverture de la boîte, à la fois vivant et mort, par analogie avec l’atome qui serait à la fois intact et désintégré. Impossible, diriez-vous ? C’est normal, car l’esprit humain n’est pas fait pour accepter de tels paradoxes.

Dans une station-service aux airs de pavillon bauhaus, un chat dandy fait la rencontre de son double maléfique robotique. Dans cette collision entre deux mondes parallèles, une grappe de raisin en lévitation fait apparaître un poisson-globe. Explosion : le voilà réduit à néant. Empreinte d’un soupçon de surréalisme manifestement inspiré de Max Ernst, l’œuvre résonne comme un conte débridé où tout semble permis – même l’anéantissement féroce des lois de la raison.

Quelle déformation est à l’œuvre dans le travail de transposition d’une image en sa réalisation sculpturale ? Que fait-il subir à la matière, à l’objet, au projet même ? Est-ce que l’œuvre pourrait se situer dans cette différence inframince, pour reprendre un terme duchampien, entre une œuvre et sa répétition ? Tout le travail d’Olivier Jonvaux s’articule autour de ces questionnements. Un sac à dos en pâte à modeler réalisé pour une exposition se trouve être très légèrement différent du même sac à dos, fait avec la même pâte à modeler, quelques mois plus tard, pour une nouvelle exposition (Prisme, 2015). En effet, les pigments de la pâte se sont entre-temps mêlés et la matière picturale est devenue le témoin des différentes occurrences de la sculpture.

Reprenant des formes quotidiennes et familières (sac à dos, cafetière, chat, cabine de douche…), l’artiste les fait circuler sous différentes matérialités. De la pâte à modeler donc, à l’image 3D, en passant par l’installation et la signification de l’absence, les mêmes formes naviguent d’un médium à l’autre. Mein Blue (2015) est une vidéo d’images 3D totalement bleue (la couleur par défaut dans les logiciels) où l’on observe une série d’objets – présents dans l’atelier de l’artiste – placés sur un train en circulation. Or l’artiste a recréé tous les éléments de la vidéo en sculptures de papier (Pepakura Pantin, 2015). Présentées ensemble, ces deux œuvres obligent le spectateur à naviguer d’une forme à l’autre, ne sachant plus ce qui fut le modèle – la fiction ou l’objet réel ? 9 manières de détruire les choses (en cours) ne déroge pas à la règle. À partir d’une vidéo de tutorat trouvée sur Internet expliquant 9 façons d’anéantir des objets dans un univers virtuel (3D), Jonvaux crée une série de sculptures portant sur ces fameuses manières de détruire la matière. Aussi ramène-t-il le virtuel (censé imiter le réel à la perfection) au réel – à la sculpture – mais pour mieux l’anéantir. Les matériaux comme le public se trouvent pris en étau dans une inquiétante répétition.

Le travail d’Olivier Jonvaux explore la vie des objets, de leur création à leur destruction, par l’emploi d’une multiplicité de médiums. L’utilisation d’argile, ciment, papier, pâte à modeler, se complète d’une dimension immatérielle par le biais de la modélisation 3D. Dans ses installations, sculptures, et vidéos d’animations, il détourne les caractéristiques des objets, pour mieux les extraire de leur attribution ou de leur origine.

La réitération de formes banales, prélevées de son quotidien, se joue du statut de l’œuvre par une indétermination recherchée. Qu’il soit réel ou virtuel, l’artiste bouscule notre relation au monde par une réflexion sur sa fétichisation, sa stabilité supposée et à ses modes de circulation.

Sous le soleil ardent de l’été, en plein décor bucolique, une grappe de raisin est posée sur une table en bois. Plus les minutes s’écoulent et plus la caméra s’approche de ce symbole de vie et d’ivresse. À ses côtés : du pain, une carafe et des noix. Autant d’objets qui ramènent à l’iconographie chrétienne, celle notamment de la Cène.

La fétichisation des éléments qui composent le film d’Olivier Jonvaux (né en 1986), artiste étudiant diplômé du Fresnoy en 2021, contribue à les magnifier. Scruté sous tous les angles, le fruit devient divin ; ses couleurs et ses reflets apparaissent à l’écran à la manière d’une peinture. La grappe de raisin est dans Pirovano une nature morte, objet central autour de laquelle le film se construit et qui symbolise l’extase incarnée par le dieu grec Dionysos.

Sensualité des textures, lumière nacrée, chants d’oiseaux… C’est une véritable d’exaltation des sens qui s’orchestre ici. Les plans qui s’enchaînent sur un air de flûte entêtant sont montés en une boucle répétitive. Le réalisateur joue tour à tour sur les focales et la mise au point, jusqu’à plonger le spectateur dans une sorte d’hypnose, une ivresse étourdissante. La caméra embarquée tourne autour de ses modèles, se renverse, tournoie, s’envole… Les images à l’écran se floutent jusqu’à la perte de tout repère, donnant à ces quelques grains de raisin gorgés de vie une dimension hautement onirique. Voire cosmique, lorsque la grappe se retrouve star d’un final extatique aux allures d’odyssée spatiale…