Olivier Jonvaux

Sous le soleil ardent de l’été, en plein décor bucolique, une grappe de raisin est posée sur une table en bois. Plus les minutes s’écoulent et plus la caméra s’approche de ce symbole de vie et d’ivresse. À ses côtés : du pain, une carafe et des noix. Autant d’objets qui ramènent à l’iconographie chrétienne, celle notamment de la Cène.

La fétichisation des éléments qui composent le film d’Olivier Jonvaux (né en 1986), artiste étudiant diplômé du Fresnoy en 2021, contribue à les magnifier. Scruté sous tous les angles, le fruit devient divin ; ses couleurs et ses reflets apparaissent à l’écran à la manière d’une peinture. La grappe de raisin est dans Pirovano une nature morte, objet central autour de laquelle le film se construit et qui symbolise l’extase incarnée par le dieu grec Dionysos.

Sensualité des textures, lumière nacrée, chants d’oiseaux… C’est une véritable d’exaltation des sens qui s’orchestre ici. Les plans qui s’enchaînent sur un air de flûte entêtant sont montés en une boucle répétitive. Le réalisateur joue tour à tour sur les focales et la mise au point, jusqu’à plonger le spectateur dans une sorte d’hypnose, une ivresse étourdissante. La caméra embarquée tourne autour de ses modèles, se renverse, tournoie, s’envole… Les images à l’écran se floutent jusqu’à la perte de tout repère, donnant à ces quelques grains de raisin gorgés de vie une dimension hautement onirique. Voire cosmique, lorsque la grappe se retrouve star d’un final extatique aux allures d’odyssée spatiale…

Le travail d’Olivier Jonvaux explore la vie des objets, de leur création à leur destruction, par l’emploi d’une multiplicité de médiums. L’utilisation d’argile, ciment, papier, pâte à modeler, se complète d’une dimension immatérielle par le biais de la modélisation 3D. Dans ses installations, sculptures, et vidéos d’animations, il détourne les caractéristiques des objets, pour mieux les extraire de leur attribution ou de leur origine.

La réitération de formes banales, prélevées de son quotidien, se joue du statut de l’œuvre par une indétermination recherchée. Qu’il soit réel ou virtuel, l’artiste bouscule notre relation au monde par une réflexion sur sa fétichisation, sa stabilité supposée et à ses modes de circulation.

Quelle déformation est à l’œuvre dans le travail de transposition d’une image en sa réalisation sculpturale ? Que fait-il subir à la matière, à l’objet, au projet même ? Est-ce que l’œuvre pourrait se situer dans cette différence inframince, pour reprendre un terme duchampien, entre une œuvre et sa répétition ? Tout le travail d’Olivier Jonvaux s’articule autour de ces questionnements. Un sac à dos en pâte à modeler réalisé pour une exposition se trouve être très légèrement différent du même sac à dos, fait avec la même pâte à modeler, quelques mois plus tard, pour une nouvelle exposition (Prisme, 2015). En effet, les pigments de la pâte se sont entre-temps mêlés et la matière picturale est devenue le témoin des différentes occurrences de la sculpture.

Reprenant des formes quotidiennes et familières (sac à dos, cafetière, chat, cabine de douche…), l’artiste les fait circuler sous différentes matérialités. De la pâte à modeler donc, à l’image 3D, en passant par l’installation et la signification de l’absence, les mêmes formes naviguent d’un médium à l’autre. Mein Blue (2015) est une vidéo d’images 3D totalement bleue (la couleur par défaut dans les logiciels) où l’on observe une série d’objets – présents dans l’atelier de l’artiste – placés sur un train en circulation. Or l’artiste a recréé tous les éléments de la vidéo en sculptures de papier (Pepakura Pantin, 2015). Présentées ensemble, ces deux œuvres obligent le spectateur à naviguer d’une forme à l’autre, ne sachant plus ce qui fut le modèle – la fiction ou l’objet réel ? 9 manières de détruire les choses (en cours) ne déroge pas à la règle. À partir d’une vidéo de tutorat trouvée sur Internet expliquant 9 façons d’anéantir des objets dans un univers virtuel (3D), Jonvaux crée une série de sculptures portant sur ces fameuses manières de détruire la matière. Aussi ramène-t-il le virtuel (censé imiter le réel à la perfection) au réel – à la sculpture – mais pour mieux l’anéantir. Les matériaux comme le public se trouvent pris en étau dans une inquiétante répétition.